Secretaría de Cultura | 14 de junio de 2023 | Comunicado
Al frente del Centro Cultural Helénico llega Haydeé Raquel Boetto Bárcena; mientras que Antonio Zúñiga Chaparro quedará asumirá la Dirección del Centro Nacional de las Artes. Foto. Edoardo Esparza Chavarría.
La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, informa que, a partir del 15 de junio de 2023 habrá cambio de titulares en el Centro Nacional de las Artes (Cenart) y el Centro Cultural Helénico. Antonio Zúñiga Chaparro asume la titularidad del Cenart, ante la salida de María de los Ángeles Castro Gurría; a su vez, al frente del Helénico se incorpora Haydeé Boetto Bárcena.
“Agradezco a Ángeles Castro por su compromiso con el Cenart, sabemos que a donde vaya hará un gran papel, mis mejores deseos para su nueva encomienda. En su lugar llega Antonio Zúñiga quien se venía desempeñando como director del Centro Cultural Helénico, el Cenart queda en las mejores manos. Ahora, la directora del Helénico será Haydeé Boetto”, comentó la secretaria de Cultura del Gobierno de México, Alejandra Frausto Guerrero.
Al frente del Cenart, Castro Gurría abonó a la copiosa oferta cultural y en el fortalecimiento de la propuesta académica y de profesionalización, que abarca la aproximación a las artes y la actualización artística.
La musicalidad de la palabra y el multiverso de las comunidades indígenas inspiraron cuatro videocápsulas que integran el Proyecto Caracol, las cuales, al conjuntar saberes ancestrales y tecnología, promueven las lenguas originarias del país, apuntó el compositor Rubén Luengas en la presentación de este trabajo, en el Centro Nacional de las Artes (Cenart).
Un colibrí que, según la tradición maya transporta pensamientos y buenos deseos; un cerro mixe en una canción ayöök; un armadillo que habita el sol en un cuadro mazateco, y la luna nocturna que sonríe blanca, son cuatro universos que, con imágenes y música, se lanzaron a la virtualidad. “Como el sol de la tarde moriste, madre. En el alba, aposento, viviste siempre”, se cita en el poema náhuatl. En otro, “duerme bebé”, dice el arrullo kumiai de Baja California, a flores dulces que son sueños.
Luengas, director de Pasatono Orquesta Mexicana, participó en los arreglos y dirección de Amo de los cerros, por lo que asistió al lanzamiento de las obras en el aula magna José Vasconcelos, donde preguntó: “¿Cómo sería la música antes de la Conquista? Poco hemos vuelto a escuchar las lenguas primarias como fuente de inspiración y formación sonora. Pudieron pasar 500 años, pero mientras las lenguas sigan vivas, ahí está la musicalidad prístina de nuestros pueblos”. En esencia, esa fue su inspiración como compositor de la nación ñuu savi de los pueblos mixtecos, en Oaxaca.
Haydeé Boetto, directora de programación artística del Cenart, detalló que con el Proyecto Caracol “frases, palabras, colores, poemas, arrullos fueron convertidos en obras musicales, escénicas o plásticas en una muestra de diversidad lingüística y mosaico cultural de nuestro país”.
Durante la presentación de la iniciativa, en colaboración con el Instituto Nacional de Lenguas Indígenas (Inali), señaló que tiene como propósito la provocación de un diálogo entre artistas de distintas disciplinas para la creación de materiales audiovisuales cuyo eje sean las lenguas indígenas.
Durante la proyección de las obras recientes, dentro de la Feria de las Lenguas Indígenas Nacionales 2021 que se realiza del 9 de agosto al 30 de septiembre, la funcionaria comentó que se convocó a músicos, pintores y diseñadores, que han trabajado con poemas, canciones, palabras, obras gráficas y musicales con el fin de crear un diálogo interdisciplinario que construya una pieza artística.
Informó que durante segunda mitad del año se convocará a otro grupo de artistas para crear cuatro nuevas producciones audiovisuales que involucren nuevas disciplinas.
Luengas, quien encabezó la grabación con la orquesta Pasatono y el cantante Noé Alcántara, celebró la “gran virtud” de los videos de detonar la creación artística no desde una visión folclorizante, sin estereotipar las formas, música, poesía y palabra indígenas, sino que se vincule a creadores de diferentes historias y culturas, que culminan en obras muy bellas, como estas cuatro producciones”.
Iván León, director de políticas lingüísticas del Inali, recordó que en nuestro país se hablan 68 lenguas indígenas nacionales, sumados al español. “Tenemos 69 formas de pensar, manifestar nuestros valores y formas de ver el mundo”.
En el trabajo que se generó –disponible en las redes sociales del Cenart y el Inali, así como en la plataforma Contigo en la Distancia de la Secretaría de Cultura federal– se puede percibir la diversidad cultural y lingüística, y se da un posicionamiento más allá de lenguas con sistemas comunicativos: que han resistido a través del tiempo y las podemos disfrutar y aprender como segundo idioma.
“Los expertos han dicho que la mitad de las lenguas del mundo se van a perder si no hacemos conciencia, si no acabamos con el racismo y la discriminación que aún se vive. Debemos cambiar de mentalidad y abonar al fortalecimiento de las lenguas”, de ahí la necesidad de políticas que promuevan la diversidad.
Artistas visuales y diseñadores trabajaron en conjunto con cantantes, poetas, pintores y compositores indígenas para dar difusión a algunas de las lenguas originarias del país. El resultado fueron cuatro cápsulas en las que estas obras fueron el eje para generar un dialogo y crear piezas artísticas interdisciplinarias.
La iniciativa, propuesta por el Centro Nacional de las Artes (Cenart), se hizo en colaboración con el Instituto Nacional de Lengua Indígenas, quienes donaron algunos de los materiales que forman parte del Proyecto Caracol, coordinado entre la Dirección de Programación Artística y el Centro Multimedia del Cenart. Te recomendamos: Firma convenio el Fonart y el IMPI para proteger los diseños artesanales En entrevista, Haydee Boetto, responsable de Programación Artística del Cenart, dice que el proyecto “tiene como objetivo, el rescate, la revalorización y la difusión de las lenguas indígenas, además de volver a dimensionar su belleza, su sonoridad y su potencialidad para la creación como una inspiración para artistas”.
Para la realización de las cápsulas se convocó a varios artistas entre los que se generaron dinámicas muy diversas: “En algunos casos el punto de partida fue en un texto, en otras una obra plástica o una composición musical, y un artista fue interviniendo al otro. El resultado son cuatro materiales audiovisuales que tienen como protagonistas a las lenguas indígenas”. Mixe, kumiay, mazateco y náhuatl son las primeras cuatro lenguas que serán difundidas en la primera etapa de Proyecto Caracol. Las cápsulas se pueden ver a través de las redes sociales del Cenart, en su página web y en la plataforma Contigo en la distancia. Las piezas son: Yewalmetstipan (En la luna nocturna), poema mexikatlahtolli (náhuatl) musicalizado por Abd El Hadi Sabag y con diseño visual de Amanda Lemus y Monserrat Escobar; Jummay pawi pakuan (Duerme, bebé), arrullo kumiay en voz de Yolanda Mesa Calles, con arreglos e interpretación musical de Raúl Zambrano y animación de David Camargo.
Además de Kukopk (Amo de los cerros), canción ayöök con traducción y voz en lengua ayöök-mixe de Noé Alcántara, música original de Manuel Pacheco, interpretada por Pasatono Orquesta Mexicana y la animación de David Camargo, y Je Nichiin Ko Nitjen (El día y la noche), cuadro mazateco de la autoría de Félix Betanzos, con la composición e interpretación musical de Enrique Luna y el diseño visual de Gabriel García Álvarez.
En la segunda etapa del Proyecto Caracol, que será lanzada a finales de este año, cuenta Haydee Boetto, se pretende crear materiales que vayan enfocados a un público infantil y juvenil.
Ha dinamitado las convenciones para crear una obra única, en la que el género policiaco convive con la enciclopedia y el teatro de títeres con la mitología. Su apuesta por la imaginación ha logrado algunas de las páginas más luminosas de la literatura mexicana.
Para remitir a la naturaleza lúdica del evento escénico es casi un lugar común mencionar que en el idioma inglés play significa juego y también obra teatral, pero a decir verdad son muy pocos los creadores que realmente lo entienden y practican a cabalidad. Hugo Hiriart resulta un eminente ejemplo de ello dentro de la escena mexicana, ya que en su calidad de dramaturgo y director de escena su imaginación sorprendente, erudita y transgresora representa un caso extraño dentro de un panorama que se aferra en su temática y estética a la tragedia imperecedera de la realidad nacional. Como lo expresa el dramaturgo y director Flavio González Mello:
El suyo es un teatro de las ideas y la imaginación, más relacionado con la filosofía y con la novela de aventuras que con los dramas realistas que marcaron a su generación. Sus obras abrieron para muchos de nosotros la posibilidad de una teatralidad diferente, donde las imágenes y las palabras coexisten para construir mundos escénicos novedosos, delirantes y muy divertidos. Si tuviera que reducir su teatro a una palabra, esta sería “juego”: un juego que inicia en la página pero se prolonga en la divertida manera de montar en escena sus propios textos.
Con una carrera previa en la filosofía, el periodismo, la narrativa y el ensayo, Hiriart llega al teatro con la curiosidad de materializar su sagaz imaginario en el complicado y fascinante embate de la representación escénica asumiendo la dirección de sus obras como un modo de manipular de cerca el delicado mecanismo que las compone, pero también para hacerse de cómplices creativos que pudiesen estar a la par de sus provocaciones lúdicas y creativas. Este es el caso del escenógrafo Alejandro Luna, con quien fraguó una relación creativa que daría lugar a puestas en escena memorables como el drama cómico de Minotastasio y su familia, que incluyó la participación de actrices del legendario grupo Sombras Blancas y que se convirtió en un hito para el teatro mexicano del siglo XX al abordar en un sorprendente juego de proporciones espaciales, títeres y máscaras la ardua convivencia de los habitantes del laberinto de Creta con la mítica figura para la cual fue construido.
Ese carácter lúdico que distingue la obra dramática de Hiriart, derivado de esas tardes de infancia en las que el autor elucubraba historias para un batallón de soldados de juguete, presenta una fabulación que se construye a través de las motivaciones y deseos de sus personajes, una galería de extravagantes individuos compuestos en partes iguales por la cultura popular mexicana, referentes literarios universales que se nutren de la alusión bíblica, la novela de caballerías, el Siglo de Oro español, las novelas de aventuras y ciencia ficción y que más allá de seguir una trama rigurosamente aristotélica se regodean en el goce del contar historias como un ímpetu vital de la condición humana.
Otra característica que lo separa del resto es la elección estética y formal del uso del títere como instrumento y vehículo del drama, una tradición erróneamente infantilizada y denostada en nuestro país y a la que Hiriart apela como esa zona creativa que hace posible la transgresión y la magia, ya que dentro de un teatrino es factible contener el universo entero y jugar con sus reglas invirtiendo la lógica y el orden natural, elementos que el autor utiliza a su favor provocando un aura festiva y anárquica en la que caben la digresión filosófica y la crítica social, pero también la compasión humana. En El tablero de las pasiones de juguete, una de las obras más reconocidas del autor, el director y titiritero Pablo Cueto ubica uno de los grandes planteamientos del teatro contemporáneo de títeres al presentar el contrato de Faustina a Mefistófeles por la venta de su alma a cambio de la posesión del alma de su cónyuge Protesilao (el primer muerto en la batalla de Troya) en el cuerpo de un muñeco para consumar su noche de bodas, como una escena que pone de manifiesto la simbiosis que hace posible la vida del muñeco inerte a través del ánima del actor. Bajo esta dinámica, el director y actor Emmanuel Márquez afirma que “…actuar en las obras de Hugo Hiriart es lo más difícil que hay para un comediante, pues siempre hay que competir con un muñeco y, como sabemos, los títeres son malvados, pícaros”. Una referencia que bien podría aplicarse a la vileza memorable de La repugnante historia de Clotario Demoniax, cuyo protagonista está inspirado en los títeres de cachiporra de la tradición inglesa, también conocidos como Punch y Judy.
La producción de una obra teatral representó para Hiriart un proceso integral en el que un colaborador cercano como Cueto reconoce la fascinación del autor por los mecanismos, las escenografías, los juguetes escénicos, y en donde la realización de la escritura y el montaje se iban dando a la par de la construcción de los artefactos y la convivencia con los histriones, a quienes frecuentemente convertía bajo su aguda observación en personajes y que en ocasiones bromeaba con reemplazar por completo con muñecos animados por maquinarias fantásticas o tramoyistas bien entrenados. A lo largo de su exitosa carrera en los escenarios en la década de los ochenta, Hiriart conoció la desazón de construir castillos en el aire para luego verlos fugarse en el tiempo de la representación y bajo el cansancio natural que conlleva la empresa teatral con sus conflictos de producción, caprichos actorales y hasta la crítica; eventualmente delegó sus puestas en escena a directores con los que sentía una afinidad artística como Cueto, Márquez y Antonio Castro, quienes de tanto en tanto mantienen vivo su legado en la escena. Si bien el autor de Galaor considera de cierta inutilidad los libretos fuera del montaje, sus textos dramáticos perviven por fortuna para dar cuenta de su enorme valor literario y de alguna manera invocan aquellos míticos montajes cuyo asombro fue palpable para una generación de creadores que los consideró determinantes en su vocación teatral. La ausencia de su imaginario en los escenarios nacionales resulta una auténtica tragedia, pues el universo inigualable de Hiriart reivindica la imaginación como un recurso vital y crítico para lidiar con los conflictos de la realidad. Asimismo no es de extrañar que dentro de su vasta obra se sobrepasen los límites entre géneros como lo hizo Ámbar, que gracias a su naturaleza híbrida contó con versiones teatral, cinematográfica y narrativa, ya que apelaba al estilo denominado por Lope de Vega como acción en prosa, misma que el autor continuó explorando en producciones recientes como la novela El águila y el gusano, cuya forma segmentada en diálogos y escenas se apetece para que encuentre su versión escénica.
Quien ha tenido la fortuna de ver sus obras en vivo sabe que las creaciones de Hugo Hiriart tienen la gracia de terminar aparentemente con el cierre del telón, pero invitan a seguir fabulando en nuestras cabezas con el recuerdo de su enorme gracia e ingenio. Haydeé Boetto, quien ha actuado en sus montajes y es una presencia cercana para el autor, resume su experiencia con cariño y admiración:
Entrar a su juego es encontrar llaves y puertas, abrir y cerrar, recorrer caminos, viajar y regresar. Y al final de este viaje, en el núcleo del juego, descubrir también a los muchos “Hugos”, artífices de este milagro. Novelista, dramaturgo, filósofo, director, amante de los títeres y los objetos, creador de mecanismos y miniaturas, viajero, maestro e inventor. Un niño, un mago, un genio… Los que hemos tenido la suerte de jugar con él, sabemos de su esencia sencilla y generosa; y sabemos también que su espíritu gigante puede encontrarse en una pequeña caja china, una caja discreta y voladora que encierra en su centro el corazón de la humanidad. ~
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